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28 mai 2018 1 28 /05 /mai /2018 22:14
Caroline-Christa Bernard

Cette fois un article qui n'a rien à voir avec le celtique mais plutôt une découverte en forme de coup de coeur pour cette chanteuse Française.

Originaire de Paris et née en 1969, Caroline-Christa Bernard a été bercée dans la musique classique. Sa mère était pianiste et organisatrice de concerts.

Enfant, elle étudie le solfège et le violoncelle et commence à écrire de petits textes.

A l'adolescence, elle est d'avantage attirée par le rock et la chanson française.

Séduite par les arts en général elle commence tout naturellement à travailler dans le milieu artistique (maisons de disques, galerie d'art, théâtre).

Après une dizaine d'années, elle commence à écrire ses propres poésies puis elle rencontre des musiciens qui posent des musiques sur ses mots donnant vie à ses premières chansons.

Ses compositions sont très influencées par son univers parisien.

Au hasard de ses promenades dans Paris, elle tente de dépeindre  des personnes vivant un peu en marge de la société mais guidées par leurs rêves.

A côté des ses propres créations, Caroline-Christa Bernard reprend aussi les chansons d'autres artistes.

 

 

 

Caroline-Christa Bernard

En 2015, Caroline-Christa avait enregistré son premier EP (5 titres) "Le fracas" avec quelques musiciens.

Cinq textes sur des musiques composées par le percussionniste Atissou Loko.

Son titre "Circuit Carole" basé sur l'univers de la moto sera d'ailleurs choisi par plusieurs magasines de motos pour illustrer une vidéo sur le parcours de douze pilotes féminines.

Elle fera à l'époque quelques passages sur diverses radios ainsi que plusieurs concerts dans de petites salles.

Caroline-Christa Bernard dit avoir été influencée par divers artistes dont Yves Simon, Gérard Manset ou encore Dick Annegarn.

Etant moi-même un grand fan d'Yves Simon j'ai trouvé des similitudes par rapport à son style d'écriture dans les mots de cette chanson.

Belle découverte donc pour moi que cette chanteuse dont la voix à la fois jolie et douce fait penser à celle de Françoise Hardy ou Jane Birkin.

Découverte d'une personne qui a envie de sortir des sentiers battus par des textes  poétiques et réalistes.

De quelqu'un de sensible qui a envie d'être elle-même c'est à dire différente et authentique.

Une artiste qui mérite vraiment que l'on s'y attarde

Ci-dessous, une reprise de Daniel Balavoine à propos d'un endroit qui fut tristement d'actualité il y a peu.

 

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10 décembre 2017 7 10 /12 /décembre /2017 18:34
Paddy Goes to Holyhead

Encore une découverte via mon ami Daniel avec cette fois un groupe Allemand (!)

Paddy Goes to Holyhead est un groupe folk-rock qui fait de la musique celtique ainsi que ses propres chansons.

C'est en 1988 que Paddy Schmidt avait formé ce groupe à Darmstadt en compagnie de quelques amis musiciens.

Le nom choisi n'est pas seulement une allusion à Frankie goes to Hollywood mais aussi parce qu'il évoque les "Paddies" ces émigrés Irlandais qui s'embarquaient vers diverses destinations dont le port de Holyhead au Pays de Galles.

A leurs débuts, Paddy Schmidt (chant, guitare, harmonica, whistles, cornemuse), Rainer Opitz (banjo, mandoline, guitare, chant), Andreas Reich Geb.Gottwald (bodhran, accordéon, claviers chant) et Mathias Kohlmann (bouzouki, violon, mandoline, whistle, bodhran, chant) ne chantaient que des chansons traditionnelles d'Irlande ou d'Ecosse.

 

Ce groupe se caractérise par la voix grave et le charisme de son leader Paddy Schmidt (qui chante uniquement en anglais) et la part importante prise par le violon au sein de leur musique.

Depuis 1988, plusieurs violonistes très talentueuses (Almut Ritter, Helen Mannert, Nicole Ansperger...) se sont succédé avec le même bonheur dans ce band.

Paddy Goes to Holyhead enregistre son premier disque ( The Fairy King) en 1989.

Quatre autres disques vont suivre jusqu'en 1992.

A partir de 1993, l'album "Supermegaultraliveshow" marque un tournant dans la carrière du groupe.

Ils vont d'avantage devenir une formation folk-rock en chantant moins de traditionnels et beaucoup plus de compositions.

Des orchestrations plus rock mais toujours avec une violoniste pour garder le côté folk un peu à la manière des Anglais de Fairport Convention.

 

Paddy Goes to Holyhead

En 1994 sortie de leur cd "Ready for Paddy" qui se classe dans le top 50 en Allemagne.

Leur chanson "Johnny went to war" reste d'ailleurs au sommet des hits durant de nombreuses semaines.

S'ils aiment de jouer dans les petites salles et dans les pubs, Paddy Goes to Holyhead a donné de nombreux concerts en Allemagne et même à l'étranger.

Des titres comme "Far Away" ou "Doolin" sont devenus des grands succès de P.G.T.H. (comme on les appelle parfois).

Ce groupe à participé à divers festivals importants partageant l'affiche avec des artistes tels les Dubliners, Runrig, The Pogues mais aussi The Beach Boys, Jethro Tull, Deep Purple...

 

Paddy Goes to Holyhead

Cependant en 2001, Paddy Schmidt décide de quitter le groupe pour se consacrer d'avantage à sa carrière solo.

Il est remplacé par le chanteur Américain Mark Patrick.

En solo, Paddy interprète plus de chansons traditionnelles irlandaises et reprend aussi d'autres de ses compositions.

Selon le cas, il se produit seul sur scène ou en duo avec le bassiste Uhu Bender et parfois en trio avec la violoniste Nicole Ansperger.

Paddy Schmidt redevient membre de Paddy Goes to Holyhead en 2005 pour le plus grand bonheur de ses fans.

En 2004, le cd "Acoustic Nights" était déjà leur treizième enregistrement.

Paddy Goes to Holyhead

j'ai été positivement surpris par la qualité de ce groupe qui est à la fois fort musicalement et vocalement.

J'aime beaucoup leurs chansons et les six cd que j'ai eu l'occasion de découvrir sont pour moi d'égale valeur.

Preuve, s'il en fallait encore une que de nombreux groupes étrangers adorent se lancer dans la musique celtique.

En Allemagne je connais aussi le groupe "Five Alives 'O" que j'avais eu l'occasion de voir en concert en Belgique et dont j'ai deux cd.

Ils jouent assez bien dans le style des Dubliners (leur flûtiste et leur violoniste sont excellents)

Aussi , dans ma série d'articles consacrée aux duos, je vous avais présenté les Ecossais Claire Mann et Aaron Jones qui en plus de musiques de leur pays ont également formé un quatuor avec deux musiciens Allemands : Gudrun Walter et Juergen Treyz.

Ce groupe s'appelle "2 Duos" et ils alternent des traditionnels écossais et allemands.

Avec Paddy Goes to Holyhead et d'autres groupes, l'Allemagne apporte elle aussi sa contribution à la musique celte.

Et c'est très bien ainsi.

 

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8 août 2017 2 08 /08 /août /2017 21:40
Le Chapman stick

Cette fois un article qui n'a rien à voir avec le celtique avec la présentation d'un instrument assez particulier.

Membre de la famille des guitares, le Chapman stick a été créé en 1969 par Emmett Chapman et commercialisé à partir de 1974.

C''est un instrument amplifié qui compte huit, dix ou douze cordes séparées en deux groupes.

Une moitié des cordes forme la partie mélodique, l'autre moitié la partie basse.

Les cordes peuvent être pincées comme sur une guitare normale mais le plus souvent elles sont frappées comme les touches d'un clavier.

La technique du "tapping" sur les cordes peut aussi se faire à deux mains sur les deux rangées.

Cette "touch style" permet un jeu plus polyphonique que sur une guitare normale et peut faire penser à des sonorités de claviers..

Le groupe des cordes de la partie basse ou de la partie mélodique son amplifiables séparément.

On peut donc jouer en donnant plus de puissance aux basses ou à la mélodie ou jouer des accompagnements (ou des musiques) sur les deux parties à la fois.

La main gauche joue en général des basses et des accords, la main droite joue le plus souvent des mélodies mais aussi des accords.

 

 

Le Chapman stick

Les Chapman stick sont fabriqués en bois ou en graphite.

On peut les accorder de diverses manières.

Le son chaleureux et puissant permet d'utiliser le stick dans de nombreux styles musicaux (jazz, rock, classique, blues, funk, salsa...).

Grâce aux diverses techniques, il y a moyen de donner l'impression de jouer simultanément du piano, de la basse, de la guitare et des percussions.

Produisant ainsi une musique d'une grande amplitude avec un panel de sonorités plus vaste.

ici une vidéo avec deux joueurs de Chapman stick.

 

Il existe divers modèles y compris des acoustiques.

La plupart sont cependant électriques variant en largeur selon le nombre de cordes ou en longueur avec des instruments plus  aigus ou plus graves.

Le Chapman stick

L'instrument a séduit énormément de musiciens de part le monde aussi à cause du fait que les deux mains peuvent jouer librement.

Une série de musiciens sont d'ailleurs devenus des virtuoses du Chapman stick.

On peut citer : Bob Culbertson, Mark White, Matt Rogers, Greg Howard, Rob Martino, Tony Levin, Nick Beggs, Steve Hahn...et bien d'autres.

A noter que le multi-instrumentiste Mike Oldfield l'utilise également dans certains morceaux.

Autre exemple, autre style avec Greg Howard

 

Autre vidéo avec Rob Martino.

Les accompagnement font ici nettement penser à un clavier..c'est pourtant bien un stick.

Le Chapman stick, un instrument aux possibilités musicales innombrables qui n'a pas fini de nous étonner.

Merci monsieur Chapman pour cette trouvaille.

Le Chapman stick
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17 mai 2017 3 17 /05 /mai /2017 17:48
Arnaud Choutet

Une fois n'est pas coutume, un article à propos de littérature puisque Arnaud Choutet est un écrivain mais qui publie des livres à propos de musique folk.

Il m'avait contacté il y a deux ou trois ans via ce blog de musique celtique, nous avions échangés quelques mails ainsi que quelques cd.

Arnaud à l'époque terminait son deuxième ouvrage "Bretagne,folk néo-trad et métissages.

Arnaud Choutet est né à Paris en 1968.

Après des études en commerce, il décide de travailler dans l'action sociale .Il s'implique dans un projet A.D.T. Quart Monde qui l'envoi travailler aux U.S.A. d'abord à Minneapolis puis à Washington. C'est là qu'il découvre la musique Country grâce entre autre à des artistes comme Woodie Guthrie et Pete Seeger.

Cette musique lui donne l'envie d'apprendre le banjo.

Rentré en France, Arnaud Choutet trouve du travail à Vannes et s'installe en Bretagne.

Il apprend également à jouer de la bombarde au sein du bagad Igan.

Parallèlement, il se met à l'écriture et publie en 2014 un premier livre intitulé "Country rock" aux éditions "Le Mot et le Reste".

Country Rock est une véritable anthologie dans laquelle Arnaud Choutet présente de très nombreux artistes.

N'ayant pas lu ce livre, je ne peux cependant pas en parler mais connaissant ses deux ouvrages suivants, je suis sûr que Country rock est très intéressant également.

 

 

Arnaud Choutet

S'il a choisi de s'installer en Bretagne, c'est aussi parce que dans son enfance il avait entendu parler de la vague folk initiée par Alan Stivell au début des années '70.

Fin 2014, Arnaud Choutet se met à l'écriture d'un livre à propos de la musique bretonne.

"Bretagne folk, néo-trad et métissages paraît début 2015.

Un livre qui remporte d'emblée le grand prix de littérature musicale de l'Académie Charles Cros.

Un peu à l'image de Jacques Vassal qui avait passé en revue de nombreux artistes dans son livre "La nouvelle chanson bretonne"(1973), Arnaud va présenter dans cet ouvrage pas moins de 120 disques produits en Bretagne.

Une discographie sélective qui propose une présentation des disques essentiels parus en Bretagne durant les quarante dernières années.

Sélective quand on sait qu'en 2015, on répertorie en Bretagne pas moins de 3000 (!) disques de musique bretonne.

La Bretagne étant une des premières classées en Europe en matière de production musicale régionale.

Lorsque Arnaud m'avait prévenu de la sortie de ce livre, je me me suis bien entendu empressé de lui acheter un exemplaire.

Curieux que j'étais d'en découvrir le contenu.

 

Arnaud Choutet

J'ai bien entendu appris énormément de choses en lisant ce livre.

Arnaud situe le contexte historique de la musique traditionnelle et en retrace son évolution depuis la fin des années '40.

Il explique aussi les caractéristiques de cette musique bretonne tant au niveau du chant que de la rythmiques, des gammes et des instruments utilisés.

je dois bien avouer  n'avoir jamais entendu parler de plus de la moitié des artistes qui y sont présentés. Il y en avait aussi beaucoup que je ne connaissais qu'à travers quelques morceaux où grâce à l'écoute d'un seul album.

Chaque chanteur, groupe ou musicien est présenté sur deux pages, tous les artistes (connus ou méconnus) étant ainsi sur un même pied d'égalité.

Les chroniques sont brèves mais tout de même approfondies car Arnaud Choutet a certainement eu une formation musicale pointue qui se perçoit au travers des descriptions des manières de jouer ou de chanter.

Pour chaque artiste, il présente un album essentiel mais évoque également les éléments importants de leur carrière.

On perçoit très clairement que cette anthologie a été rédigée avec passion.

Bien compliqué bien sûr d'en citer quelques uns.

J'ai choisis quelques artistes que j'ai eu envie de découvrir ou de mieux connaître après avoir lu ce livre.

Tout d'abord le groupe Arvest de la région Vannetaise.

Comme ils se définissent eux-même, deux voix ( Yann Raoul et Yves Jego ) et deux guitares

(Nicolas Kervazo et David Er Porh).

Deux voix douces qui se répondent en kan ha diskan sur des musiques bien rythmées.

Un groupe qui donne envie de bouger.

 

Créé en 1988, le groupe Barzaz réunit des musiciens déjà très connus sur la scène bretonne.

Yann-Fanch Kemener au chant, Gilles Le Bigot à la guitare, Jean-Michel Veillon à la flûte traversière, Alain Genty à la basse et David Hopkins aux percussions sont tous des virtuoses et des spécialistes de la musique bretonne.

Yves Ribis s'était fait connaître en tant que membre du groupe Glaz dans les années '90 puis en tant que guitariste d'Alan Stivell.

Depuis déjà longtemps il a ré-orienté sa carrière dans la composition de musiques à la fois inspirées par le baroque, la musique classique et la musique traditionnelle.

Créant l'ensemble Arz Nevez regroupant des musiciens maîtrisant à la fois le style classique et le style traditionnel.

"Kerham" est une fresque musicale crée à partir de thèmes bretons.

Christophe Peloil et Yves Ribis en ont fait les orchestrations.Les chants sont interprétés par Rozenn Talec.

 

 

Arnaud Choutet

En 2016, Arnaud Choutet décide d'écrire un livre à propos du groupe mythique Malicorne

A ce jour, aucun ouvrage n'était paru à propos de ce groupe folk qui avait démarré au début des années '70.

Le livre sort en juin 2016 toujours aux éditions "Le Mot et le Reste".

Je me le suis procuré il y a peu au mois de mars.

 

Arnaud Choutet
Arnaud Choutet

J'ai véritablement dévoré ce livre on ne peut plus passionnant.

Malicorne fut mon deuxième choc musical après celui d'Alan Stivell en 1972.

Déçu au départ que Gabriel Yacoub ait quitté le groupe d'Alan car j'aimais bien son look ainsi que sa voix.

Content ensuite de voir que Gabriel se lançait dans une autre aventure musicale à la rencontre de la chanson traditionnelle française.

Folk Français qu'il allait remettre au goût du jour avec des arrangements modernes et en accordant une belle place à la polyphonie.

Gabriel faisait un peu la même démarche que Stivell en mélangeant la sonorité d'instruments anciens à celle des instruments du rock.

Toute l'histoire du groupe est racontée dans ce livre illustré de photos assez rares.

Etapes par étapes, de disque en disque la musique de Malicorne est décortiquée de façon très précise.

En lisant, je revoyais défiler les années de mon adolescence car à ses débuts le groupe sortait un disque par an.

J'avais éprouvé le même plaisir en lisant la biographie d'Alan Stivell rédigée par Laurent Bourdelas en 2012.

J'avais traversé les années '70 et '80 au rythme des albums de Stivell et de Malicorne.

Replonger dans le contenu de ces livres m'a fait un bien fou.

Tout y est expliqué en détail, comment le groupe s'est constitué, les musiciens qui sont passés par Malicorne, le choix de morceaux, l'évolution du groupe, les nouvelles directions musicales.

Aussi la carrière discographique des divers membres (Marie Sauvet, Hughes de Courson, Laurent Vercambre, Olivier Kowalski et bien entendu les albums solo de Gabriel.

Et bien entendu leur reformation en 2010 d'abord sur scène puis à deux (Marie et Gabriel) avec d'autres musiciens, puis à trois avec le retour de Laurent Vercambre.

En 2017, Marie Sauvet et Gabriel Yacoub continuent à présent à se produire de temps à autres avec deux ou trois musiciens assurant la pérénnité du groupe.

En 2016, ils avaient enregistré une seule chanson : "Les cendres de Jeanne", les nombreux fans (anciens ou nouveaux) espèrent bien entendu l'enregistrement d'un nouveau cd...affaire à suivre.

Gabriel Yacoub quant à lui continue à se produire en solo avec son propre répertoire.

Ci-dessous deux vidéos extraites du disque "Les Cathédrales de l'Industrie" sorti en 1986.

Ce disque était le dernier du groupe avant sa séparation, d'autres préfèrent attribuer ce disque à Gabriel Yacoub même s'il est estampillé Malicorne.

 

La deuxième "Je resterai ici" étant une de mes chansons préférée de Gabriel... de Malicorne.

Grand merci à toi Arnaud pour tous ces moments de lectures passionnantes..

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10 avril 2017 1 10 /04 /avril /2017 17:56
Damh the Bard

Une de mes nouvelles découvertes grâce à mon ami Daniel qui habite en France.

Damh the Bard (David Smith de son vrai nom) est né en juin 1965 à Redruth dans les Cornouailles anglaises.

En 1971, ses parents déménagent dans le Sussex.

Dès son plus jeune âge, son père et sa mère vont l'encourager à apprécier la musique et la nature.

Ils lui offrent d'ailleurs une guitare pour son huitième anniversaire.

Et le jeune David va directement tomber sous le charme de l'instrument.

Ses parents lui trouvent un professeur irlandais Tim O' Leary qui aura une influence importante dans l'éducation musicale de David.

A la fois la musique folk bien sûr mais aussi la musique traditionnelle irlandaise.

Autodidacte, Tim O' Leary ne sait pas lire la musique et va transmettre son savoir musical à David par la méthode de la transmission orale.

A l'époque, David Smith va aussi découvrir des chanteurs folk comme John Denver et Ralph Mc Tell.

Quelques années plus tard, David se passionne pour les légendes du Roi Arthur ainsi que pour les mythes et les personnages de contes.

A l'adolescence, David s'aperçoit que ses amis au collège sont d'avantage attirés par le son des guitares électriques.

Ayant aussi un bon ses du rythme David Smith décide d'abandonner la guitare acoustique au profit de la batterie.

Rapidement il arrive à se débrouiller aux drums et va même faire partie de groupes amateurs.

A l'époque il s'intéresse d'avantage à la musique de groupes comme Slade, Sweet, T Rex...

Après avoir quitté l'école en 1981, David va d'ailleurs faire partie en tant que batteur de "Targa" un groupe de heavy metal.

C'est à cette époque qu'il devient professionnel. 

Damh the Bard

A la fin des années '80, David Smith est fasciné par le film d'horreur "The Devil rides out" avec Christopher Lee et va s'intéresser pendant un moment à la magie et aux sciences occultes.

Ensuite son intérêt pour la nature reprendra le dessus pour le guider vers l'apprentissage du druidisme.

Druidisme ainsi que les organisations païennes par lesquelles il se sent également attiré.

A partir de 1995, David va d'ailleurs rejoindre l'O.B.O.D. (Order of Bards, Ovates and Druids).

David Smith décide finalement de quitter le monde musical des nightclubs de Londres pour retourner vers le folk acoustique.

Il apprend alors un nouvel instrument, la mandoline et prend le pseudo de Damh the Bard.

Lors d'un concert à la Pagan Federation, Dahm the Bard est sous le charme de la harpiste Fiona Davidson et décide d'apprendre à jouer de la harpe celtique.

C'est à cette époque qu'il commence à écrire ses propres compositions. Des chansons aux influences païennes mais aussi celtiques.

En novembre 1998, Damh the Bard est invité à jouer pour le 10 ème anniversaire de l'O.B.O.D. en l'honneur du barde écossais (également harpiste) Robin Williamson.

Pour l'occasion il forme un groupe avec trois amis "Spiral Castle" , un groupe qui va continuer à se produire durant plus d'un an vu le succès remporté.

Et c'est en 2000 que cela Damh the Bard décide d'entamer une carrière en solo.

Son premier cd "Herne's apprentice sort en 2002.

"Sabbat" sorti en 2015 est déjà son huitième album.

Damh the Bard

Pour l'instant je ne connais qu'un seul cd de Damh the Bard, celui sorti en 2010 "Tales from the Crowman".

Dans ce disque, Damh the Bard revisite principalement des chansons du répertoire folk et particulièrement des chansons traditionnelles celtiques comme "Selkies of sules skerry, The Parting glass, Wild Mountain Thyme...".

J'aime beaucoup sa voix claire et la manière dont il joue de divers instruments.

En écoutant ce cd, j'ai particulièrement été touché par son interprétation du titre "Green fields of France" une chanson triste à propos de la première guerre mondiale.

Je connaissais déjà ce morceau qui était autrefois chanté par les Fureys and Davey Arthur et la voix un peu éraillée mais particulièrement prenante de Finbar Furey.

Cette reprise par Damh the Bard est vraiment très belle.

Tirée du même cd, une petite dernière pour la route.

"Matty Groves" est une chanson qui se trouvait sur un des premiers disque (1969) du fameux groupe anglais Fairport Convention et leur chanteuse Sandy Denny.

Ici aussi, une très belle interprétation de Damh the Bard, un artiste dont j'espère bien poursuivre la découverte.

Barde, druide ou magicien, un personnage qui se cache sans aucun doute dans la brume des forêts celtiques.

N'hésitez pas à partir à sa recherche...

 

 

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23 décembre 2016 5 23 /12 /décembre /2016 15:36
Loreena McKennitt

J'avais déjà évoqué cette artiste dans mon article "Celtes que j'aime" en 2013.

Voici quelques lignes pour le compléter et finir en beauté cette année 2016.

Loreena McKennitt est née en 1957 dans le Manitoba au Canada. Ses parents avaient des origines irlandaises et écossaises.

Très jeune, elle suit des cours de piano et de chant.

Rapidement on remarque son exceptionnelle voix de soprano étendue sur un très large registre et qui est également très puissante.

Durant les années '70 elle découvre la de musique celtique et décide d'apprendre la harpe et l'accordéon.

Dès le début de sa carrière, Loreena McKennit aime approfondir les choses et s'intéresse aux sonorités de nombreux instruments.

Curieuse de tout elle est attirée par les instruments anciens et les musiques traditionnelles de diverses contrées.

Cette envie d'explorer et de mélanger les sonorités seront une source d'inspiration pour ses compositions musicales.

Sa musique que l'on classe principalement dans la World music a des origines celtes mais trouve aussi des influences dans les musiques orientales et dans celle des balkans.

Au début des années '80 Loreena débute en participant à des festivals folk.

Très vite elle sera invitée à faire des tournées dans tout le Canada.

En 1985, elle fonde sa propre société de production "Quilan Road" qui se chargée de la gestion de sa carrière et de la distribution de ses disques.

Elle enregistre d'ailleurs son premier album "Elemental" durant cette année.

A partir de 1989, la sortie de son troisième disque "Parallel dreams" devient un succès commercial et sa renommée ne cesse de croître d'abord au Canada puis au niveau international.

En 1991, son quatrième disque "The Visit" se vend à 2 millions d'exemplaires.

A partir de là, la carrière de Loreena McKennitt prend une ampleur mondiale et des chansons comme "Bonnie Portmore" ou "Mummer's Dance" deviennent connues du grand public.

Lorrena compose également des musiques de films (Highlander 3, Santa Claus, The mists of Avalon...).

 

 

Loreena McKennitt

Sa carrière se poursuit par des tournées tant aux Etats-Unis, qu'en Amérique du Sud et en Europe.

Des tournées qui débouchent de temps à autre sur l'enregistrement d'albums live devant un nombreux public.

A côté de cela, Loreena aime aussi enregistrer des disques plus intimistes comme "The mask and mirror" où elle reprend des poésies de William B.Yeats ou William Shakespeare.

Loreena McKennit aime investiguer et rechercher des informations afin de composer de nouvelles chansons.

Elle a par exemple beaucoup voyagé en Grèce et en Turquie pour trouver l'inspiration de son cd "A Mediterranean Odyssey" paru en 2009.

Ajoutons qu'elle n'est pas non plus inactive socialement puisqu'elle participe à des oeuvres comme la Fondation Cook-Rees (sauvetage et sécurité en mer) ou la Croix Rouge Hellénique.

Loreena McKennitt

La chanson qui suit avait autrefois été chantée par Andy Irvine avec le groupe Planxty.

C'est une de mes chansons préférées.

J'aime beaucoup la version de Loreena Mc Kennitt qui a la faculté de chanter de façon très douce ou puissante selon les spécificités d'une mélodie.

 

Cette capacité de variations est aussi une des grandes forces de Loreena.

Et pour conclure une autre chanson d'inspiration irlandaise avec "The seven rejoices of Mary" dont la musique est très proche de la chanson "The star of the county Down" qui est universellement connue.

Une artiste à la voix divine pour vous souhaiter à tous de magnifiques fêtes de fin d'année.

 

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8 août 2016 1 08 /08 /août /2016 20:44
Pancho Alvarez

J'avais découvert ce musicien de Galice parce qu'il est un des accompagnateurs habituels de Carlos Nunes.

Par ses interventions sur scène, j'avais trouvé ce musicien talentueux mais je pensais qu'il jouait uniquement du bouzouki.

Renseignements pris, Pancho Alvarez est en fait un incroyable multi-instrumentiste qui mène une belle carrière en solo en plus de ses concerts et enregistrements avec Carlos Nunes.

Né à O Porrino (Pontevedra) Pancho Alvarez a commencé à apprendre la guitare à l'âge de dix ans en compagnie de ses frères.

Après cela, Il étudie le violon au conservatoire de Vigo.

Ensuite, Pancho rejoint le groupe Na Lua en tant que bassiste et violoniste.

Il restera membre de ce groupe durant 15 ans.

Tout en pratiquant la musique traditionnelle de Galice, Pancho va au sein de Na Lua développer ses dons de compositeur et d'arrangeur.

Avec eux, Pancho Alvarez enregistrera six cd.

Le voici ici ai violon accompagné de Castor Castro (concertina), Felix Castro (bouzouki) et Alvaro Iglesias (guitare)

Pancho Alvarez

Après avoir quitté Na Lua, Pancho Alvarez a participé aux albums de divers artistes.

A partir des années '90, Pancho fait partie d'un autre groupe très connu en Galice : Matto Congrio.

Avec ce groupe, il va enregistrer et faire de nombreuses tournées.

A la même époque, il fait aussi partie d'un autre groupe : "Tres".

Pancho Alvarez est également professeur de violon.

Dans le cadre de cette activité il participa en 2012 à Trives à un concert en l'honneur du violoniste Florencio.

Lui et ses élèves interprétèrent plusieurs compositions de ce musicien espagnol.

A côté de cela, Pancho mène un carrière en solo et enregistre des cd avec les morceaux qu'il compose.

Incroyable Pancho Alvarez, sur la vidéo ci-dessus, il joue de la vielle, du tambour, du tambourin, de la guitare électrique, de la guitare, de l'oud...et en plus il chante.

A cela, il faut ajouter le violon, le violoncelle, la viole de gambe, la mandoline, l'accordéon, le bouzouki, le concertina, l'harmonica et la basse soit QUINZE instruments différents !

A ce jour, il a enregistré quatre disques sous son nom.

En 1995, c'est la rencontre avec Carlos Nunes.

Le flûtiste virtuose l'engage dans son groupe.

Pancho plus Xurxo Nunes (frère de Carlos) aux percussions, claviers, guitare plus Begona Riobo (violon) et Paloma Trigas vont former une équipe remarquable.

Tous les habitués de l'Interceltique de Lorient (où Carlos a été invité à de nombreuses reprises) ou des Nuits Celtiques à Paris peuvent témoigner de la virtuosité et de l'énergie de ces musiciens hors pair.

Carlos Nunes qui a aussi été membre du légendaire groupe irlandais les Chieftains et qui est aussi très connu en Bretagne pour ses collaborations avec Dan Ar Braz.

Pancho Alvarez

Avec Carlos Nunes, Pancho va enregistrer six albums et un dvd.

DVD qui retrace leurs nombreux concerts aux U.S.A., en Europe, en Asie et en Australie.

Pancho a aussi collaboré à la bande originale du film "Mar adentro" (the sea inside) qui fut récompensée par un Award de meilleure musique de film.

Entre 1995 et 2007, Pancho Alvarez a également participé à des concerts des Chieftains et a enregistré trois cd avec eux.

Une carrière donc déjà bien remplie pour ce "musico" qui par son talent fait de toute évidence partie des "grands d'Espagne".

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7 avril 2015 2 07 /04 /avril /2015 20:48

Exceptionnellement, une petite incursion dans le folk Anglais avec ce duo guitare-violon.

En 1977, Alan Stivell avait sorti son disque "Raok Dilestra" (Before landing- Avant de débarquer).

Ce disque qui racontait l'histoire de la Bretagne avait été enregistré avec de nouveaux musiciens à l'exception de Dan Ar Braz et de Yann-Jakez Hassold (chanteur de kan ha diskan).

Sur deux morceaux cependant figuraient encore d'autres musiciens dont le violoniste Dave Swarbrick.

J'ai vraiment été impressionné par le jeu de ce violoniste si bien que ces deux titres ("Gwriziad diffenet" et "Naw Breton ba prizon") devinrent très vite mes préférés de cet album.

Je ne sais si c'est Dan Ar Braz (qui avait été membre de Fairport Convention en 1976) qui avait recommandé ce musicien à Alan mais en tout casj'avais trouvé ce choix judicieux tant ce violoniste avait un style virevoltant.

En 1981, j'avais eu l'occasion de faire un mini-trip en Angleterre (pour aller voir un match de foot) et j'en ai profité pour entrer chez un disquaire à la recherche d'un disque de ce fameux Dave Swarbrick.

J''en ai acheté un et dans la foulée un autre de son groupe Fairport Convention.

C'est de cette manière que j'ai commencé à découvrir le folk Anglais (Steeleye Span, Sandy Denny, Richard Thompson, Oyster Band...) avec beaucoup d'années de retard.

Un style musical qui me plait également mais pas autant que la musique celtique bien sûr.

Je suis cependant toujours resté un fan de Fairport.

Martin Carthy et Dave Swarbrick

Né en 1941, Dave Swarbrick est le violoniste qui a eu une influence déterminante dans le "folk revival" en Angleterre depuis la fin des années soixante.

Par la suite de nombreux violonistes ont copié son style en faisant partie d'autres groupes folk-rock.

Dave Swarbrick prend d'abord des cours de violon classique à Birmingham, incontestablement, il est doué.

Au début des années '60, son premier groupe sera "The Beryl Marriott Band Ceilidh" (musiques de danse), il jouera ensuite avec "Ian Campbell Folk Group" avant de travailler avec Ewan Mac Coll et Peggy Seeger.

Sa première collaboration avec Martin Carthy (qui était déjà une étoile montante du folk anglais) date de 1965.

Le duo remporte à l'époque un certain succès et enregistre quatre disques entre 1965 et 1968.

Après avoir été invité à jouer sur scène avec Fairport Convention, on lui demande de rejoindre le groupe en 1969.

Petit homme très dynamique, Dave va très vite s'ériger en un des leaders du groupe en étant un des premiers à électrifier son violon.

D'emblée ils vont enregistrer l'album "Liege and Lief" qui va devenir un des albums mythiques du groupe avec la magnifique voix de la chanteuse Sandy Denny.

Dans Fairport il y aura une grande mouvance au niveau des musiciens.

Après les départs définitifs ou provisoires de Richard Thompson, Sandy Denny, Simon Nicol, Dave Swarbrick va prendre plus de responsabilités au sein du groupe.

Il compose et chante aussi certains titres marquant ainsi d'avantage les albums suivants de son empreinte.

Après la séparation provisoire de Fairport en 1979, Dave Swarbrick va se lancer dans divers projets et enregistrer avec de nombreux artistes.

Dont Simon Nicol, le groupe Whippersnapper (4 albums) et de nouveau Martin Carthy.

Dave décide ensuite d'émigrer en Australie en 1994.

Là-bas, Dave enregistrera avec des musiciens et chanteurs comme John Kirkpatrick, Alistair Hullet, Steve Ashley...

Martin Carthy et Dave Swarbrick

dans ce titre Dave Swarbrick joue de la mandoline.

De retour en Angleterre, Dave Swarbrick est confronté a des problèmes de santé fin des années '90.

Souffrant d''emphysème il est obligé d'arrêter sa carrière.

Après une double greffe aux poumons en 2004 (!) il se remet peu à peu et décide de reprendre ses activités musicales.

Enregistrements en solo, duos avec Martin Carthy et encore d'autres collaborations (dont des concerts avec Fairport) car ce diable d'homme n'en a jamais assez.

En ce début avril, Dave Swarbrick vient de fêter ses 74 ans !

Martin Carthy est né a Hatfield en 1941.

Sa mère était Anglaise et son père Irlandais.

Son père avait été musicien amateur (guitare et fiddle) durant sa jeunesse.

Martin Carthy interrompt ses études à l'âge de 17 ans.

D'abord intéressé par le théâtre, il se tourne assez rapidement vers la musique et s'intéresse à la chanson folk.

Ayant appris la guitare, il complète sa formation en pratiquant d'autres instruments (mandoline, banjo, dulcimer).

C'est à ce moment qu'il se met à faire ses propres compositions.

Son premier groupe sera "The Three City Four" en 1964 avec lequel il enregistre deux disques.

A partir de 1965 sa carrière solo démarre, il rencontre Dave Swarbrick qu'il invite à jouer sur son premier album.

Martin Carthy et Dave Swarbrick

En parallèle avec sa carrière solo et avec Dave Swarbrick (17 albums), Martin Carthy sera membres de nombreux groupe et va collaborer avec de très nombreux artistes.

avec Steeleye Span, il enregistre cinq albums;

14 disques avec The Watersons ;

7 disques avec Brass Monkey, ;

2 disques avec Albion Country Band

etc...

De toute évidence on peut également le considérer comme une des figures de proue du folk revival en Angleterre.

Et aujourd'hui, il est toujours là.

Une version de Arthur Mc Bride très différente de celle chantée par Andy Irvine et Planxty

Avec sa voix à la fois puissante et grave, Martin Carthy chante avec beaucoup d'intonations.

Il joue de la guitare dans les divers registres de la musique folk et sa manière d'accompagner donnent beaucoup de relief à ses chansons.

Avec son style rapide et imaginatif, Dave Swarbrick est le complément idéal pour produire une musique intense qui ne laisse vraiment pas indifférent.

A noter encore qu'en 2011, les deux compères avaient choisi de fêter leurs 70 ans sur scène.

Pour le plus grand plaisir de leurs nombreux fans.

Les années ont passé mais la complicité et l'amour de la musique sont toujours bien là.

Les années ont passé mais la complicité et l'amour de la musique sont toujours bien là.

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27 octobre 2014 1 27 /10 /octobre /2014 23:07

Ce mercredi 22 octobre dernier j'ai assisté à la "Fingerstyle Night", festival de la guitare à Verviers.

 

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Ce concert se déroulait au centre culturel à l'Espace Duesberg, une salle très conviviale où l'acoustique est de très bonne qualité.

Ce qui est très important lorsqu'il s'agit d'écouter de la musique en particulier quand il s'agit de virtuoses.

Et lorsque je dis virtuoses, le mot est faible.

 

Je vous ai déjà parlé à plusieurs reprises de Jacques Stotzem ce spécialiste du "picking" qui s'est depuis longtemps hissé parmi les meilleurs guitaristes du monde.

Cette fois, Jacques avait amené avec lui deux de ses amis : Huang Chia-Wei de Taiwan et Dave Goodman du Canada.

Des guitaristes qu'il a rencontré durant ses nombreux voyages et avec lesquels il s'est lié d'amitié.

 

Huang Chia-Wei est né en 1966 à Tanjung Balai, Sumatera en Indonésie.

 

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Il a commencé à jouer de la guitare en 1982.

A partir de 1985, il a déjà assez de talent que pour donner des cours de guitare.

Il part ensuite vivre à Taiwan, à l'université dans le but de devenir ingénieur.

Mais l'attrait pour la musique est plus fort.

Huang Chia-Wei commence à chanter et à jouer de la guitare dans des restaurants et des piano-bars de Taiwan.

Dans les années '90 il s'emploie à promouvoir la pratique de la guitare solo tout en continuant à enseigner cet instrument au sein de l'université de Taiwan.

 

 

 

 

Au fil des années, ses activités musicales se développent.

Publication de livres de méthodes et arrangements sur le "finger-style", production de disques de divers guitaristes, organisation de nombreux concerts en invitant de prestigieux artistes ( Peter Singer, Andy Mckee, Isato Nakagawa et bien entendu Jacques Stotzem).

Huang Chia-Wei a également enregistré cinq cd de guitar solo.

Il est également patron d'une entreprise qui fabrique des guitares.

 

 

Dave Goodman est né en 1965 au Canada d'un père Anglais et d'une mère Irlandaise.

 

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A 12 ans, Dave a d'abord suivi des cours de violon avant de se tourner vers la guitare électrique.

Il apprend à jouer du blues auprès du guitariste Dave Vidal.

Il s'initie ensuite au Jazz auprès du claviériste Miles Black puis avec Bruce Clausen au collège de Vancouver.

Déjà professionnel à l'âge de 17 ans, il fait des tournées tant au Canada qu'aux U.S.A.

Puis forme son premier band "Goodman Murphy Band" avec le guitariste Steve Kimock et le chanteur Jugge Murphy.

Plus tard, Dave Goodman tournera aussi en Europe.

En 1995, il forme le Dave Goodman Band avec Aaron Anderson (batterie) et Billy Mendoza (basse).

En 1998, il décide de quitter la Californie pour aller s'installer en Allemagne.

Cela faisait déjà longtemps qu'il avait envie d'aller vivre en Europe.

A ce moment, il se concentre d'avantage sur la guitare acoustique et le picking et se met à composer des chansons.

 

 

 

 

A l'époque il enregistre plusieurs cd qui ont un certain succès et sont très bien accueillis par la critique.

En 2009, le guitariste Allemand Peter Finger l'invite à enregistrer sous son propre label "Acoustic Music Records".

Dave Goodman enregistre ensuite avec le claviériste Steve Baker avec qui il joue en duo puis ils forment un trio avec le batteur Oliver Spanuth.

Guitariste, chanteur, compositeur et producteur, Dave Goodman est reconnu partout comme un remarquable talent capable de jouer dans de très nombreux styles.

 

 

 

Jacques Stotzem s'était donc entouré de deux fabuleux musiciens pour un festival de la guitare peu banal.

 

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D'abord seul sur scène,Jacques démarre par un de ses morceaux puis invite ses deux compères à le rejoindre sur scène.

Chacun dans leur style Huang Chia-Wei et Dave Goodman vont tour à tour jouer un premier morceau.

Assez calme Huang est un musicien au jeu très précis qui joue tout en finesse et a un "toucher" exceptionnel.

J'ai été surpris par la sonorité de son instrument.

 

Dave Goodman quant à lui est une véritable pile électrique sur scène.

Son jeu est brilant, ultra-rapide, puissant.

Dans sa manière de jouer, on sent qu'il a aussi pratiqué la guitare électrique durant de longues années.

Ses morceaux sont principalement instrumentaux mais de temps à autre il chante quelque phrases sur un mode blues.

 

Quant à Jacques Stotzem il est toujours aussi "surdoué".

Il donne parfois l'impression d'avoir trois ou quatre mains tant sa maîtrise du picking est fabuleuse.

Parfois sa guitare se fait instrument de percussions ou encore il passe sa main gauche par au dessus du manche pour obtenir d'autres sonorités.

 

 

 

 

Ce 22/10 il a encore joué un titre de Rory Gallagher (un de ses idoles) de façon splendide.

Jacques nous confie aussi son admiration pour Edith Piaf puis il nous interprète un instrumental qu'il a composé en son honneur en se basant sur le style musical de l'époque.

 

Le concert se poursuit, les trois artistes jouant un morceau tour à tour.

Sur scène l'ambiance est très conviviale, Jacques raconte des annecdotes, plaisante avec le public et avec ses deux compères en Anglais ou en Français.

Dave Goodman se débrouille d'ailleurs dans notre langue.

 

La première partie s'achève par un morceau joué en trio.

 

 

 

 

 

Durant la pause, la possibilité de saluer les artistes et de se procurer l'un ou l'autre de leurs cd (ce dont je ne me suis d'ailleurs pas privé).

 

Durant la seconde partie, un spectacle tout aussi grandiose.

Des prestations en solo, des duos entre Huang et Dave puis entre Jacques et Huang et bien sûr entre Dave et Jacques.

Un moment incroyable où les deux solistes déchaînés rivalisèrent de créativité et de virtuosité.

C'était fou, Dave Goodman s'autorisant même quelques pas de danse tout en jouant ou en chantant.

 

 

 

 

Pour conclure les trois amis rendirent un brillant hommage à Django Reinhardt qui fut particulièrement apprécié par le public.

Avant de nous quitter, Jacques Stotzem nous gratifia encore de son célèbre morceau "Sur Vesdre" pour nous rappeler son attachement à la région verviétoise.

 

Applaudissements très nourris pour cet incroyable trio qui finalement prit congé des spectacteurs pour les retrouver...deux minutes plus tard près du bar pour une longue séance de dédicaces.

 

Un moment très agréable qui me permit d'un peu échanger avec eux pour prolonger encore un moment la magie de cette soirée.

Un soirée qui restera pour moi inoubliable.

 

 

 

 

 

 Autres articles à propos de Jacques :

 

Les Musicales de Sart

 

Du côté de chez Jacques Stotzem

 

Jacques Stotzem

 

 

 

 

 

 

 

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1 juin 2014 7 01 /06 /juin /2014 07:32

 

 

 

 

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Nouvelle entorse à la musique Celtique avec ces concerts auxquels j'avais assisté le mois dernier.

Un reportage décalé puisque écrit quelques semaines après l'évènement mais des émotions musicales que j'avais envie de partager.

 

Sart est un village paisible de la commune de Jalhay situé sur les hauteurs de Spa.

J'y ai vécu pendant dix ans et  j'y retourne régulièrement me tenant au courant de son actualité.

 

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Le 3 mai 2014, les Musicales de Sart proposaient un parcours à la carte avec cinq scènes sur la Place de Sart.

D'abord il faut préciser que les "Musicales" avaient commencé le vendredi 2 mai par un concert d'ouverture donné par l'Harmonie de Sart-Charneux.

Forte de plus de 40 musiciens, l'Harmonie de Sart-Charneux joue un réprtoire qui n'a plus grand chose à voir avec celui d'une simple fanfare.

Dirigés par Hugo Pasqualini, ces musiciens amateurs interprètent avec beaucoup de maîtrise des musiques de Verdi, de Strauss, de Rossini, de Mozart ainsi des des musiques de films ou de la chanson Française (Brel, Nougaro, Aznavour...).

 

 

L'organisation de la journée du 3 mai prévoyait que chaque groupe se produisait en mini-concerts d'environ 30 minutes qui permettait aux spectateurs de circuler d'une scène à l'autre.

La tranche horaire suivante, les divers artistes jouaient de nouveau et ainsi de suite, chacun des groupes faisant en tout quatre passages répartis entre 15 h et 20 h.

 

En "lever de rideau" le public avait d'abord droit à un nouveau concert de l'Harmonie de Sart-Charneux suivi d'une synpathique initiation à la musique interprétée par des enfants du village

 

Ensuite, il y avait donc une scène classique dans l'Eglise de Sart avec l'orchestre Jean-Noel Hamal qui proposait un répertoire varié allant de la musique Baroque à celle de 20 ème siècle.

 

Une scène "Balkanique" avec l'ensemble Bernard Orchestar.

Orchestre composé principalement de "cuivres" et de percussions qui joue de la musique traditionnelle de la région des Balkans plus des compositions.

 

Une scène "Latino" avec Chouval Brass , un groupe de cinq musciens qui interprète des airs d'Amérique du Sud et des Caraïbes. Musiques latines et funk dans un style très énergique.

 

Une scène "Folk" avec Jacques Stotzem et une scène "Jazz" avec Jazz Infinity.

 

 

 

J'étais venu pour revoir ce guitariste fabuleux qu'est le Verviétois Jacques Stotzem .

 

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Je vous ai déjà parlé de lui dans deux articles précédents.

Musicien de renommée internationale Jacques Stotzem fait vibrer les cordes de sa guitare au rythme du blues, du jazz du rock et du folk depuis de nombreuses années.

Adepte du finger-picking, Jacques d'une part reprend avec une maîtrise incroyable des classiques de Rory Gallagher, de Jimi Hendrix, des Beatles... et d'autre part joue ses nombreuses compositions.

 

 

 

 

 

Véritable magicien Jacques fait toujours reculer un peu plus les frontières du possible par rapport à la musique qu'il tire de cette guitare, une simple guitare acoustique à six cordes !

 

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Ses prestations furent appréciées à leur juste valeur et constituèrent une fois de plus un GRAND moment musical.

 

 

 

 

 

 

J'avais aussi envie de découvrir Jazz Infinity.

Bercé par la chanson Française et le jazz durant mon enfance (et donc bien avant de tomber dans la marmite de la musique celtique) j'ai toujours eu de la synpathie pour ce style musical.

 

 

Ma préférence allant aux petites formations, je ne pouvais qu'être attiré par le trio Jazz Infinity.

 

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Ce groupe fut formé en 2008 par trois jeunes fraîchement diplômés de l'Institut Supérieur de Musique et de Pédagogie de Namur.

Passionnés par le jazz, Alexia Saffery (chant), Thibault Collienne (saxophone) et Adrien Larock (piano) ont eu envie de re-visiter les grands classiques de cette musique.

Par de nouveaux arrangements et avec certaines influences pop ces trois jeunes artistes élargissent leur répertoire en proposant des mélodies rythmées ou plus suaves.

Des musiques à la fois entraînantes et subtiles dans lesquelles on ressent toute leur créativité.

 

 

Alexia Saffery commence le chant dès l'âge de 12 ans.

 

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Elle obtient son premier Master en chant en 2009.

Une fois diplômée elle suivra encore d'autres cours de perfectionnement au Danemark et à Londres et s'orientera vers divers styles musicaux.

Durant les dernières années, Alexia Saffery va participer à diverses productions dans la musique classique, la variété, le jazz et la comédie musicale.

En tant que soprano, elle fait partie du groupe Witloof Bay avec lequel elle participera à l'Eurovision en 2011.

Actuellement, elle continue à se perfectionner et enseigne le chant dans diverses écoles.

 

 

Thibault Collienne débute le saxophone à l'âge de 11 ans.

 

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Il fait son apprentissage d'abord au conservatoire de Verviers puis à l'INEP de Namur.

Il poursuit une formation classique en Allemagne durant son projet Erasmus tout en continuant à pratiquer le jazz.

Actuellement il continue encore à se perfectionner aux Pays-Bas.

Thibault Collienne qui a fait partie de plusieurs formations a déjà joué dans divers festivals de jazz en Europe.

 

 

 

Ardien Larock débuta le piano à l'âge de 5 ans et démarra sa formation à l'académie O.V.A. jusqu'en 2003.

 

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Ensuite l'INEP de Namur ou il termina son Master de piano avec une grande distinction.

Après cela, conservatoire de jazz à Bruxelles puis l'enseignement en tant que professeur à l'INEP puis au conservatoire de Verviers.

Compositeur et arrangeur, Adrien joue aussi des claviers et de la guitare.

 

 

Donc de très solides références musicales pour ces trois jeunes musiciens.

Pas étonnant que j'aie tout de suite été sous le charme de Jazz Infinity.

Sans connaître ou presque les morceaux j'ai vraiment apprécié leur façon de jouer tout en finesse et la voix toute en variations d' Alexia Saffery.

 

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Avec de terribles solos, Thibault Collienne fait chanter son saxophone.

Aux claviers, Adrien Larock propose des sonorités de piano mais aussi de contre-basse qui donnent l'impression qu'il y a un quatrième musicien sur scène.

En plus de son dynamisme, Alexia Saffery, transmet beaucoup d'émotion dans sa manière de chanter.

 

J'ai donc particulièrement apprécié ce concert.

Pour l'instant, Jazz Infinity n'a enregistré qu'un mini-cd de 4 titres (que je me suis empressé d'acheter et qui est très agréable à écouter).

 

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Si vous aimez le jazz et que ce trio passe par chez vous, ne le manquez pas.

 

Pour écouter : link (musique)

 

 

 

Pour clôturer ce festival en beauté, les Musicales de Sart avaient invité Perry Rose.

J'ai déjà parlé à plusieurs reprises de ce chanteur Belgo-Irlandais qui tourne en Belgique, en France et en Suisse depuis longtemps déjà.

(Perry Rose, Luc Pilartz et Didier Laloy à Dison)

 

Chanteur folk-rock, Perry est assez connu chez nous et on le retrouve souvent dans les festivals musicaux.

J'ai eu l'occasion de le voir plusieurs fois sur scène.

Chaque fois, c'étaient des spectacles folk.

Entouré de Didier Laloy, Aurélie Dorzée, Luc Pilartz, Perry Rose faisait apprécier ses qualités vocales mais aussi ses talents de guitariste et de joueur de bodhran.

Son répertoire pourtant ne s'apparente pas à la musique traditionnelle irlandaise.

Mais ses amis musiciens "habillaient" ses chansons de sonorités folk (violons, accordéon) et les prolongaient parfois pas des gigues ou des reels endiablés.

 

En fait, Perry Rose est principalement un chanteur folk-rock et même très rock par moments.

 

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C'est cet aspect de son répertoire qu'il a présenté dans son concert à Sart.

A la guitare et parfois aux claviers, Perry Rose est accompagné par trois musiciens : Ben Poncin à la basse, Yves Baibay à la batterie et Didier Dessers à la guitare électrique, au banjo et aux claviers.

 

 

 

 

 

Comme d'habitude, Perry est très synpa sur scène et n'arrête pas de dialoguer avec le public.

sa manière de chanter est entraînante, il utiise bien sa voix en ponctuant souvent ses phrases de "yeah", "yeah"...qui augmentent l'engouement des spectateurs qui ne demandent qu'à participer.

Très dynamique sur scène, Perry n'arrête pas de bouger.

Ses accompagnateurs sont d'un très bon niveau et donnent beaucoup de relief à ses musiques.

Avec le banjo, Didier Dessers donne une petite coloration folk à certaines chansons.

Ce musicien est également très fort à la guitare électrique. Un instrument dont Perry joue aussi dans certains titres.

Ben Poncin passe de la basse électrique à la contrebasse électrique avec le même bonheur.

Quant au batteur il est également d'un excellent niveau.

Vraiment un excellent concert avec quatre très bons musiciens.

Perry Rose interprétant entre autre des titres comme "Your Company", "Carry On" ou encore le très connu "Glasgow" repris en coeur par toute l'assemblée.

C'était la première fois que je le voyais dans un spectacle plus rock mais je n'ai pas été déçu.

 

 

 

 

 

11 heures du soir, il était temps de prendre congé des copains et de rentrer à la maison avec la tête pleine de jolies notes issues de cette belle journée aux Musicales de Sart.

On en redemande.

 

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Merci à Bertrand Mignon pour toutes ces belles photos.

Et merci aux organisateurs pour cette belle promenade musicale.

 

 

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